運弓と脱力 - 二胡弦堂

 


 拉弦楽器の運弓は力を入れてはならない、脱力せねばならないと言われます。これをどのように達成すべきかについてお話ししたいのですが、少し捻くれた見方だと捉えられるリスクを承知で申し上げますと「考えてはいけない」というのが正しいところでしょう。つまり、運弓についてご自身で「脱力できていない」と悩んだらもう無理です。同じく、老師が「あなたは力が入り過ぎている」と指摘したなら、もう改善は無理です。本当に無理だったら、このような項目は立てないので、しかも考えてはいけないと言っておきながら、今から詳細の分析に入ろうというのだから、どういうことなのかわからないという方もおられると思うので、まず1つ申し上げますと、脱力して運弓している人たちは力を抜こうとして達成してはいません。違うことをやって達成しているし、それが普通なので、脱力に注力する考え方はとても独特です。脱力という一面にフォーカスするのは、明白となった結果の1つをありのままに述べただけで、ただ存在する1つの事象を端的に指摘しただけのことです。客観性は必要です。だがその客観性は何ももたらしません。「お前はダメだ」とジャッジされて終わってしまう、それだけです。そこでそういう方がここに来られたと思うので、今から運弓と脱力のお話を致しましょう。

 では、名人たちは運弓の際に脱力できているのでしょうか。本人らに聞けば良い、そうすると大きく纏めるとおそらく3通りの回答があるでしょう。1.「私は完璧です」。2.「いえ、まだまだ修行の身です」がまず想定されるところです。この2種は実のところ何も答えていないのと同じです。どうしてなのか。次に行きましょう。3.「ちょっと練習しないと無理かな」。待ってください、質問した相手は名人です。彼は今更練習しないといけないのか、その練習という意味合いが少し違うのですが、もしあなたの老師が3番だったら、あなたは運弓には悩んでいない筈です。なぜならその老師は本質を理解している、老師の立場で普通3番は言いにくい、表面だけ謙遜するにもそういう言い方はしない、そこを敢えてこういう言い方をするというのは既に凡人ではない、かなりわかっていないと言えないことです。これはどういうことなのでしょうか。

 優れた弦楽演奏でよく挙げられるのはウィーンの交響楽です。特に30~50年代が優れているとされ、古い録音でありながら今尚聞き継がれています。スタジオ録音以外にライブのものもあります。この2種の、演奏という観点から見た大きな違いは鮮度です。どちらも何らかの会場に集まって演奏します。ということはその時々で最初に音を出す瞬間があります。ライブはそれが録られており、スタジオではおそらく数回やり直し、或いは打ち合わせを経て集音しています。ライブでも大抵の場合は前々から合わせてあるでしょう。しかし一旦は帰宅して、改めて集まっています。そうしますと人間の集まりである以上、心理面を中心にコンディションに多少なりとも変化があります。ある人は優雅にカフェで一杯やってから来たかもしれません。しかし別の人は子供が熱を出していて面倒を見てから来たかもしれません。プロです。このような私情を仕事に持ち込むでしょうか。極めて繊細な仕事をする人は私生活まで全て調整せねばなりません。しかし常に思うようにはいきません。それで微妙な変化が演奏に反映されることがもしあるとすれば、再構築、再結成が必要です。当時のウィーン国立歌劇場ライブであるとか、フィル・ハーモニーの演奏会などは、はっきり明確にわかるぐらい、出だしは探り合いから入ります。お互いに気を使っている感があります。それで硬いです。何が? 運弓です。そう、脱力が足らないのです。皆さんも経験があると思いますが、楽器もいきなり伸び伸びとは鳴らず、最初は少し音色が硬かったりします。楽器も人間もエンジンが掛かってくるまで時間が掛かっているのです。これは彼らだけに見られる特徴で、他の楽団ではこういうことはありません。いかに繊細だったかがわかります。それにしてもどうしてこういう現象が生じ得るのでしょうか。

 スムージーな運弓というのはあらかじめ予知された動きが必要です。実際に音が出るよりも腕の返しの方が先行します。そこを音を確認してから出すというのであれば、聞いて確認にしろ、譜を見て確認にしても同じで、何がしかの硬さが伴う筈です。先行せねばならない動きが欠けているのだから。そこを初見で未知の譜を見てスムーズに演奏するというのはかなり先読みしていないとできないことです。しかしそれは無難なアーティキュレーションで演奏するのならばのことです。しっかり譜を読み込みながらとか、他者の演奏に波長を合わせるために高い基準があれば、その代償として幾許かの硬さは発生しうるということです。技術があって、その上で表現の面でそれほど高い基準を設定していないなら出てこない問題です。

 一方、譜に記された音を音程と長さだけの音価でしか測らないなら、その演奏は常に硬いままです。何度練習しても硬いままです。演奏技術の問題ではない、その奏者がそう捉えたそのままの音が出ているだけです。その音の意味を表現する気がなければ、あらかじめ予知も何もありません。ただ書いてある音をベタっと糊で順番に貼り付けていくように淡々と並べているだけです。では試しに、ご自身がとても共感できる曲をある程度練習してみてください。脱力の問題はその時は無くなっている筈です。なぜなら自分の中に明確なイメージがあってそれは硬いものではないからです。単に自分の望む音が出ているだけです。多くの場合、硬いのは腕ではない、頭の中なのです。あなたの老師は全く意味のない練習曲でも脱力しますか。それは様々な作品を理解して演奏してきた蓄積があるからです。求められているのは真に音楽的な体験の量です。力を抜こうとビビった経験の量ではありません(このようなものは自慢にもなりません)。

 つまり、奏者が音楽表現の面で一定の水準にあり無難な範囲でドライブしているか、かなり練り上げられた時に十分な脱力は得られるものです。表現なんてものは全くわからないか、更なる表現を探っている段階では硬さはある程度あり得ることです。ですから、自分は常にいかなる時でも脱力しているとする奏者は残念です。真面目に取り組んでいてそうなるとは思えません。多分に頭の中の問題なのだから。このことは拉弦楽器奏者であれば当然知っていてしかるべきことで、このようなところを読んでやっとわかったと言っているようではいけない、どこにもこんなことは書いていない、それなりに経験と素養があれば自然とわかることだから。だからこれまでわからなくて今まで来たのであれば、環境は相当悪いと思った方がいいです。普通の環境では脱力系の問題提起すら出ない筈です。

 そこで最初に戻りますが、脱力を考えている時点で無理です。そこを指摘してスポットライトを当ててくる周囲の意見を真面目に聞いていてはいけません。1mmも進歩しません。もし老師から脱力できていないと言われてしまったら、あなたは諦められています。もう進歩はしないだろうと目測されています。そうなると、あなたに可能性を見出してくれる別の老師を探すか自力で頑張るしかありません。技術の問題よりもまずは作品に対する理解がなければ、この種の問題は解決しません。